Sorrentino, O Contador de Histórias (“A Grande Beleza”, “A Juventude” e “Aqui é o Meu Lugar”)

O diretor e roteirista italiano Paolo Sorrentino, por sua filmografia, já merece ser reconhecido como um dos mais importantes da atualidade. Seu estilo de fazer cinema é extremamente marcante – esteticamente ímpar, irônico, pretensioso, consistente, melancólico.
Sua forma de contar histórias transcende os roteiros, q acabam como composição coadjuvante. Em “Aqui é o meu Lugar” (2011), Sean Penn (brilhante no complexo papel) vive um roqueiro andrógino decadente. Seu olhar transborda ironia, sublinhando sutilmente os absurdos do cotidiano. Numa cena, o protagonista e sua mulher compartilham o espelho do banheiro, enquanto ambos se maquiam; noutro momento, Penn se mete numa conversa de mulheres sobre batom num elevador, sugerindo a marca q ele usa, por fixar melhor. Ao fundo, uma trilha sonora maravilhosa conduz o filme à perfeição.
Em “A Grande Beleza” (2013), Sorrentino atinge seu ápice, além de ganhar o Oscar de melhor filme estrangeiro (o único “braço” sério do Oscar). O protagonista vive um encontro inesquecivelmente belo aos 19 anos, e fica deslumbrado. A partir daí, passa a vida inteira buscando algo q o fizesse sentir “aquilo” novamente. Frequenta festas da alta sociedade em Roma, exposições de arte contemporânea, belas mulheres, discussões sobre literatura, conversa com grandes líderes religiosos. Sarcástico, impiedosamente mordaz, dizima o vazio humano com a precisão de um atirador de elite. Em sua melancólica caminhada, já com 65 anos, só esbarra em alguma surpresa em 2 das cenas finais. A primeira ocorre quando um ilusionista faz uma girafa desaparecer, e lhe diz: “É tudo apenas um truque.”. A outra cena acontece quando o protagonista visita o homem q casou com a mulher (já falecida) daquela experiência inesquecível de sua juventude, já casado com uma nova esposa, nada exuberante esteticamente como a primeira. O protagonista acompanha alguns breves momentos extremamente cotidianos do casal (passar roupa, ver novela). Neste instante, ele parece enfim perceber novamente a grande beleza. Só q agora já está emocionalmente necrosado por sua ironia melancólica.
Por último, em “A Juventude” (q soa como uma bilogia com o filme anterior, tomando o tema da melancolia como fio narrativo) Michael Caine vive um maestro aposentado, “à sombra do objeto perdido” (Freud, em “Luto e Melancolia”) – sua esposa falecida. O diretor cria um spa bucólico onde milionários esbarram suas errâncias, à busca de algum norte inspirador, algum oxigênio, um rompante salvador… Idades avançadas ou ideias envelhecidas, potências humanas perecem com seus sintomas neuróticos, numa paz mórbida e sufocada no próprio sarcasmo.
Neste filme, os ícones de sucesso de plástico – diretor de cinema consagrado, ator de franquia famosa, uma bela mulher – são confrontados com a simplicidade de uma criança ou a exuberância de uma Miss Universo. O aniversário do filho da rainha da Inglaterra emblematiza ao máximo o absurdo de nossa cultura. Ao final, Sorrentino submete o maestro protagonista aos caprichos do príncipe, colocando-o como regente em seu festejo. Demasiadamente humano, diria Nietzsche.
Por tudo isso, Paolo Sorrentino conquistou a consistente liberdade de poder contar praticamente qualquer história, pois sua narrativa, estética e questionamento mordaz sobram como mais do q suficientes para compor uma obra-prima. Até hoje, seu tema-norteador tem sido a melancolia, porém a partir de agora pode me contar o q quiser. Eu fico aqui, sonhando acordado.

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FESTIVAL 2015 (Dicas por estrear)

1) “Dora ou as Neuroses Sexuais de Nossos Pais” (O melhor dos q assisti no Festival. Excelentes atuações, história interessante, direção precisa. A protagonista, brilhante no papel, sofre de algum tipo de retardo mental. Seus pais, muito afetivos, oscilam entre um amor simbiótico e uma permissividade sempre flertante com grandes riscos. O ápice da tensão se inicia quando a menina começa a ter seus primeiros sinais de tesão. A discussão sobre se o amante de Dora é estuprador ou tipo pedófilo, ou se é apenas um pegador q apenas não tá apaixonado, é perfeita. A questão dos preconceitos fica instigante do início ao fim.)

2) “Betinho” (Belíssimo, irretocável!! Mais q um documentário muito bem feito, é um “autorretrato” de um lindo ser humano, ativo, à frente de seu tempo, sempre lutando contra tuberculose, hemofilia ou AIDS, e por seu país. Responsável direto pela revolução da posição do Brasil no tratamento à soropositividade e à fome da população. Emocionante do início ao fim.)

3) “Micróbio & Gasolina” (Excelente. Bela fábula sobre o início da adolescência, através da amizade de 2 meninos pouco populares e extremamente criativos. Diálogos inteligentíssimos do diretor Michel Gondry, da obra-prima “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças”.)

4) “11 Minutos” (Excelente. Câmera puramente artística, filma histórias em torno de um acontecimento, algo como “Amores Brutos”. A diferença é q na obra-prima de Iñárritu há valorização das histórias de cada personagem. Aqui, em “11 Minutos”, o diretor polonês enfatiza o instante mais do q os personagens. Sua câmera insiste em nos confrontar com uma tensão q prescinde da tragédia. A cada tomada aérea de uma simples travessia dum pedestre num sinal fechado pros carros, prenuncia um grave acidente. E nada acontece. Sucessivas vezes. Tal como o recurso da repetição da eterna coreógrafa Pina Bausch, é só através do mesmo q percebemos, enfim, aquilo do q se trata. Brilhante.)

5) “Fátima” (Excelente. Brilhante direção de Philippe Faucon, q faz de um roteiro ultra simples uma história tocante, recheada de sutilezas. Uma doméstica árabe e suas 2 filhas tentando viver dignamente na França. O diretor vai explicitando sua intenção de não focar os dramas, mas falar através deles. Não aponta para nenhuma dissolução de impasses, ao contrário, passeia por eles lindamente. Imperdível.)

6) “O Homem Novo” (Ótimo. Documentário sobre Stephanie, um travesti q militou pela revolução sandinista na Nicarágua, dando aulas de alfabetização desde os 8 anos. Agora, aos 42, tenta fazer a cirurgia de “mudança de sexo”. Ao descobrir seu irmão no FB, volta à Nicarágua p/ ver a família após mais de 20 anos, de onde saiu ainda com identidade masculina. Ótima câmera, sem apelações para a glamourização da miséria.)

7) “A Obra do Século” (Ótimo. Um filme de alto nível, retratando a claustrofóbica relação de 1 homem de 30 anos, seu pai de 50 e o avô de 70, numa cidade abandonada por um megaprojeto interrompido de uma usina nuclear em Cuba. As acaloradas discussões entre os 3 remetem ao clima de “Sonata de Outono”, clássico do denso Bergman. A relação simbiótica do pai e do avô tem tons de “A Professora de Piano”. O filme só não é brilhante por um leve problema no ritmo.)

8) “Aos 14”  (Ótimo. Referência quase direta ao clássico “Aos Treze”, remete tb a “Spring Breakers”, “Ken Park”. A insegurança da adolescência provocando fortes oscilações emocionais e constantes situações de risco com álcool, drogas ilícitas e violência.)

9) “Anomalisa” (Muito bom. Charlie Kaufman – renomado roteirista de “Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças” – dirige seu 2o filme, uma animação em tons depressivos e ácidos sobre um palestrante motivacional q mergulha em sua falência afetiva, buscando desesperadamente em cada mulher reencontrar um “verdadeiro” sentido em sua vida.)

10) “A Aula Vazia” (Muito bom. 11 curtas de diferentes diretores sobre as questões em torno da evasão escolar na América Latina. As primeiras 2 ou 3 histórias são fracas, mas jogo em seguida os curtas vão melhorando sensivelmente. No cômputo geral, a qualidade é bem interessante.)

11) “Mon Roi” (Muito bom. Grandes atuações, especialmente pelo excelente Vincent Cassel, de “O Ódio”, “Irreversível, etc. Com estes atores e a interessante história do ingênuo apaixonamento obcecado duma mulher por um sedutor q passeia entre a perversão e a histeria, o diretor poderia ter feito um filme brilhante. Mas apresentou diversas nuances da questão, ao invés de aprofundar uma delas. Pena, mas ainda assim vale conferir.)

12) “Chicas Nuevas 24 horas” (Bom. Documentário estilo padrão sobre as raízes da prostituição em 5 países. Questões fortes – como escravidão e tortura – levantadas, especialmente no final, de forma bastante abrangente, trazendo inclusive a rejeição das famílias às meninas q conseguem escapar de seus cativeiros.)

13) “Paulina” (Bom. A discussão sobre a onipotência de uma filha transgressora q não percebe homenagear seu pai a cada vez q o contraria, até quando passa por um episódio de horror. Remete a “Manderlay” e “Dogville”, onde um pai diz à filha: “Sua arrogância é achar q suporta qualquer dor.”)

14) “Tudo Vai Ficar Bem” (Bom. Por considerar Wim Wenders o melhor diretor de todos os tempos, sempre espero algo próximo de uma obra-prima. A história de um escritor autocentrado após atropelar um menino apresenta uma melancolia q não é sustentada pelos atores escolhidos por Wenders, especialmente James Franco. As exceções são a excelente e sempre depressiva Charlotte Gainsburg – a única a suportar Lars von Trier 3 vezes – e os atores q fazem seu filho.)

15) “Malala” (Bom. Documentário sobre a bela e trágica história da vencedora do Nobel da paz por sua luta pelos direitos femininos à educação, proibidos pelo regime talibã. Apesar da força da história, o diretor não consegue transmitir emoção.)

“Um Pombo Pousou num Galho Refletindo sobre a Existência”: a melancolia no brilhante cinema nórdico

Praticamente uma obra-prima, este filme sueco impressiona pela ousadia de propor um ensaio sobre cinema. Sua discursividade multifacetada dialoga com bastante proximidade com a trajetória do mestre Alain Resnais (“Ervas Daninhas”, “Hiroshima Mon Amour”, “O Ano Passado em Marienbad”). Sua forma descontinuada de apresentar questões impacta por estar quase sempre à medida de alfaiataria (à exceção de um tom acima de surrealismo no terço final).

Seus personagens carregam o peso da melancolia sem disfarces, realçada pela insistência de algumas cenas, pela precisão dos atores e pelo impressionante esmero do cinema nórdico em trazer sua discussão de forma radicalmente enxuta, sem apelações. Tragédia e humor negro caminham de forma desconcertante, bela e sem bagunça. A parte humorada lembra o excelente e refinado “O que Resta do Tempo”, do palestino Elia Suleiman.

O diretor sueco apresenta as cenas sem “distrações” em torno, como se escolhesse a ausência plena de “coadjuvações”. O vazio emocional de dois amigos vendedores de “entretenimento” (pequenos apetrechos de fazer rir) é enfatizado em seu cotidiano repetitivamente dramático, triste. A decadência e o desespero sem gritos expressam o fim das forças da vida destes dois amigos em falência. No entanto, só lhes resta insistir no vazio, pois em volta não há mais nada. Enquanto isso, o filme traz o paralelo de um pós-guerra devastador. A despeito do impossível, a dona de um bar vende doses de bebida por beijos nela, enfatizando a força de resistência humana, na mais bela cena do filme, ao som de uma música alegre e sem sombra de alienação.

Quando Freud escreveu o célebre texto “Luto e Melancolia” (equivocadamente interpretado como “luto ou melancolia”), postulou a emblemática frase de q o melancólico vive “à sombra do objeto perdido”, eternamente fadado a uma mórbida repetição. Aqui neste filme, os personagens insistem durante sua própria falência, num misto de força e desesperança includentes, a única realidade de ser humano. Ambivalentemente forte e fraco, desistente e insistente.

Parafraseando Nietzsche, demasiadamente humanos.