1) “A PROFESSORA DE PIANO”: Considero o melhor filme de todos os tempos. O Festival de Cannes q, ao contrário do Oscar, procura nunca premiar um filme em mais de 1 categoria, laureou este filme 3 vezes: o diretor Michael Haneke com a Palma de Ouro; Isabelle Huppert, a melhor atriz das últimas décadas, em sua maior atuação; e Benoit Magimel, o único ator. talvez, não tão brilhante. Annie Girardot, a mãe, está soberba no dificílimo papel.
2) “TÃO LONGE, TÃO PERTO”: Considero Wim Wenders o melhor diretor de todos os tempos – o mais sensível sobre sutilezas humanas, capaz de criar ficções e docs de modo igualmente magistral. Nesta obra, atinge seu ápice. O salto do anjo para se tornar humano é filmado com as sensações “em diapasão”. Poesia sensacionista como um Fernando Pessoa. Palma de Ouro em Cannes.
3) “PINA”: Wenders, amigo de Pina Bausch, propõe fazer um filme sobre ela, q topa imediatamente. Ao começar a construir o filme em seu imaginário, percebe e afirma q não seria possível transmitir Pina com a tecnologia cinematográfica da época. O projeto, então, fica engavetado por 30 anos; até q, ao ressurgir com alguma qualidade o cinema 3D, Wenders assume q agora seria viável. Realiza, então, a mais incrível obra em 3D, um “doc” fora de série, sem entrevistas com a família da coreógrafa. Pina, se é q é possível, torna-se ainda mais imortalizada.
4) “TEOREMA”: A obra máxima do mestre Pasolini. Um visitante sem nome (interpretado por Terence Stamp) desorganiza uma família neurótico-burguesa através de uma sedução silenciosa (como o “objeto a”, ou “objeto causa de desejo”, do psicanalista Jacques Lacan). Pasolini filma os 3 tempos (vida metódica, entrega/paixão e surto) brilhantemente, expondo exatamente seu teorema sobre desejos recalcados. Prêmio de filme católico em Veneza, e repúdio do Vaticano. Simultaneamente.
5) “O PODEROSO CHEFÃO I”: Imortalizada, esta obra-prima de Francis Ford Coppola vai muito além de contar uma disputa fálica entre gângsteres. Cria uma dinastia, com personagens lembrados mais de 40 anos depois. As discussões sobre poder, crime, confiança, família, jogos de inteligência são magistrais. Oscar de filme, roteiro e ator (Marlon Brando, incrível). Além da consagração do jovem Al Pacino.
6) “STAR WARS VI – O RETORNO DE JEDI”: Muito para além da história contada, ou das lutas entre o bem e o mal, a saga merece a impressionante longevidade de mais de 4 décadas. George Lucas, também pr’além dos efeitos especiais de uma guerra espacial, trata de apresentar os personagens sempre através de um olhar antimaniqueista, algo q igualaria qualquer facção em litígio. O “lado negro da força” está sempre conosco, no mínimo em potencial. Neste episódio, a luta final entre Luke, Darth Vader e o Imperador é o ponto máximo de toda a saga.
7) “STAR WARS V – O IMPÉRIO CONTRA-ATACA”: Um episódio marcado pelas vitórias de Darth Vader, e a construção de um lastro em Luke Skywalker (nas lições com o Mestre Yoda) contra as pressões de cooptação por parte do lado negro da Força. Perfeito.
8) “DESCONSTRUINDO HARRY”: O melhor e mais “completo” de toda a vasta e impressionante obra de Woody Allen. Com humor ácido e extremamente inteligente, o diretor, mais autobiográfico do q nunca, cria uma história metalinguística onde o protagonista realmente desce a seus infernos subjetivos (cena antológica, a melhor do filme), numa real desconstrução de si, tocando com lucidez seus fantasmas e vazios, sem autopiedade ou álibis. Destaque para a frase de seu psicanalista: “Você quer q os outros se adaptem à distorção q vc se tornou.”
9) “O SÉTIMO SELO”: O melhor e, paradoxalmente, menos sombrio do grande Ingmar Bergman. Apesar de ser um jogo de xadrez contra a morte (portanto sabidamente perdido), este filme-metáfora utiliza a Peste Negra como “travessia do fantasma” (Lacan), onde o protagonista e os outros personagens são instados a assumir, da forma mais autêntica possível, suas escolhas e percurso de vida. Cada cena, ou jogada de xadrez, ratifica a existência de cada um. A metalinguística da vida, como afirmação estilística sempre referida à morte. Grande prêmio do Júri em Cannes.
10) “O PROCESSO DO DESEJO”: Obra-prima do brilhante diretor Marco Bellocchio. Uma mulher “se deixa” presa num museu, ao fim do dia. Silenciosamente, o arquiteto e “professor de arte” se aproxima, e conversam sobre as obras na penumbra. Sedução, como um tango, até a bela cena de sexo. Acordam, e ele abre o museu, para o espanto da mulher, q achava q ambos estavam presos. Corta a cena, ela está no tribunal acusando-o de estupro. Ambos não mentem em nada. Em jogo, apenas as metáforas dos jogos de sedução e poder entre homem e mulher. Belíssimo. Uma aula sobre desejo e histeria em Psicanálise.
11) “STAR WARS IV – UMA NOVA ESPERANÇA”: O primeiro de todos da saga, produção de 1977, portanto bem antiga. Porém, foi o início da paixão de fãs como eu. Imperdível. Após estes 3 primeiros (IV, V e VI), os outros são muito prazerosos, porém sem a mesma magia.
12) “LÚCIA E O SEXO”: Obra-prima do espanhol Julio Medem. O filme atinge uma tal complexidade q me motivou a vê-lo novamente (algo raro na minha história, geralmente prefiro deixar a impressão/afetação inicial), especialmente quanto à metáfora dos buracos, de onde se entra num lugar e sai noutro (em referência ao afundamento na melancolia pós perda de alguém muito amado). Destaque para a mais bela cena de sedução ativa por parte de uma mulher q já vi no cinema. Paz Vega, exuberante.
13) “FALE COM ELA”: O apogeu da carreira do grande Almodóvar. Brilhante história do enfermeiro “Benigno”, um câncer necessário para conversar com o “irrepresentável” (tema bastante discutido atualmente em Psicanálise) de um coma. O filme discute os preconceitos mais arraigados do ser humano, muito à frente de seu tempo (humanizar um estuprador). Destaque para a cena mais incrível q já vi na história do Cinema: o enfermeiro assiste a um filme mudo (por ser o preferido de sua paciente em coma), conta a ela; Almodóvar, aos poucos, passa ao filme dentro do filme, retirando a narração do enfermeiro; de uma cena do filme mudo, corta pra uma animação gráfica, deixando a entender um ato sexual apaixonado. Impressionante, inesquecível. Oscar de Roteiro Original.
14) “NÃO SE MOVA”: Arrebatador. Estreia de gala de Sergio Castellitto na direção (atua tb como o protagonista). A melhor atuação de Penélope Cruz, como uma mulher simplória q é “estuprada” por um desconhecido. A partir deste “encontro em transe”, ambos se jogam numa jornada “fantasmas adentro”, esbarrando seus abandonos paternos um no outro. A paixão salvando a vida esfriada de ambos, porém não suficiente para q sustentassem uma história mais longeva juntos. Intensidade aos transbordamentos.
15) “AMORES BRUTOS”: Alejandro González Iñárritu estreia em sua carreira de diretor já com seu melhor filme até hoje. A Trilogia do Trágico continua com “21 Gramas” (excelente) e “Babel” (muito bom), ambos abaixo do primeiro. Gael Garcia Bernal aparece ao mundo do cinema numa história genial sobre vidas paralelas q se desgraçam aos poucos, unidas apenas por um acidente automobilístico grave. De tirar o fôlego.
16) “ARARAT”: O filme q mais me fez chorar na vida, belíssimo. O grande diretor Atom Egoyan cria uma história de vários protagonistas com uma sutil conexão, em torno do genocídio do povo armênio pelos turcos (fato ignorado por muitos livros de História). A delicadeza do âmago da emoção de cada personagem é transmitida de forma extremamente impactante. Um dos temas centrais do filme é a “condição de possibilidade” (Kant) da arte na sublimação da dor da perda, questão também discutida por Freud num texto recuperado.
17) “JULES E JIM – Uma mulher para dois”: A obra eterna do gênio François Truffaut. Poesia pura, o filme conta um triplo enamoramento, como se fosse um grande baile. Cenas marcantes na história do Cinema, como a das “fotos” congeladas de Jeanne Moreau, e a da canção feita pelo quarto elemento no enlace geral (“O Turbilhão da Vida”). Sublime.
18) “EM BUSCA DO OURO”: O esplendor maior do unânime Charlie Chaplin. Como disse o poeta Manoel de Barros: “Chaplin monumentou os vagabundos.”, conferiu-lhes dignidade, escolha, singularidade, paixão. Neste filme, Carlitos transmite a corda bamba da vida, através da fome, da paixão não correspondida, e da casa quase caindo no penhasco. Cenas imortalizadas como a clássica dança dos pãezinhos, e a ceia feita com um sapato (o cadarço como macarrão e os pregos como espinha de peixe) dão o tom da genialidade poética deste grande diretor.
19) “RÉQUIEM PARA UM SONHO”: Obra-prima de Darren Aronofsky, o filme mais pesado a q já assisti. O título é perfeito, pois a questão central é mostrar o tempo ingênuo e idílico do sonhar, seguido da tragédia mórbida da realidade mais dura q se poderia conceber. A história vai progressivamente se tornando um enorme e assustador soco no estômago. Demorei alguns minutos para conseguir me levantar do cinema.
20) “CINEMA PARADISO”: A emocionante e singela amizade entre Toto e Alfredo, através da magia do Cinema. O grande diretor Giuseppe Tornatore cria uma atmosfera de encantamento por cada um dos inúmeros personagens de uma pequena cidade, de forma arrebatadora para o espectador, levado e experimentar sua infância, com direito a saborear poeticamente tudo aquilo como se fosse seu, sua própria memória vividamente não vivida. Um traço de Fellini e um toque de Ariano Suassuna são sentidos no tempero desta linda história. Oscar de Filme Estrangeiro.
21) “LUA DE FEL”: Obra máxima de Roman Polanski, um dos maiores diretores de todos os tempos. A perversão (no sentido psicanalítico do termo) é apresentada à perfeição, através dos traços sadomasoquistas, do exibicionismo e do voyeurismo do jogo entre os personagens. Além disso, o filme expõe as veis abertas do ocaso de 2 casais q, a despeito de suas singularidades, apresentam questões possíveis a qualquer casal. Polanski é milimétrico em cada cena – música, ritmo, diálogos. Uma aula de Psicanálise.
22) “O BOM, O MAU E O FEIO (ou TRÊS HOMENS EM CONFLITO)”: Sergio Leone construiu uma qualidade de faroestes tão inigualável, q deveria ter um gênero à parte. MUITO pr’além do embate mocinho-bandido, ou de supostos finais felizes, o diretor filma os micro gestos de tensão durante os duelos intermináveis. Neste filme – o último da “Trilogia dos Dólares” -, Leone microscopicamente fita a pele destruída pelo Sol inclemente, o suor ante a morte iminente, o humor negro, o furo da arrogância enquanto mecanismo de defesa e sobrevivência. Obra-prima a ser vista até por quem “odeia o gênero”. Clint Eastwood no auge.
23) “PRIMAVERA, VERÃO, OUTONO, INVERNO, E… PRIMAVERA”: Obra-prima do polêmico sul-coreano Kim Ki-duk. Um filme quase todo sem falas, porém extremamente eloquente e poético. Um garoto, aparentemente órfão, é criado por um mestre budista de preceitos rígidos de suposto desapego egoico. O fracasso pedagógico é sentido na carne por ambos. A estrutura psicanalítica neurótico-obsessiva é descrita à perfeição, ficando claro q “abnegação”, “altruísmo” e “filantropia” são impossibilidades psíquicas, servindo apenas à sintomatologia típica dos ressentidos (autonomeados como “íntegros”) questionados brilhantemente por Maria Rita Kehl.
24) “UM CONVIDADO BEM TRAPALHÃO”: Minha comédia preferida em todos os tempos. O brilhante e versátil Peter Sellers atua à perfeição, conduzindo as situações mais simples de uma festa chique ao limiar do caos. Impagável.
25) “MONTY PYTHON – A vida de Brian”: Considero o grupo Monty Python a melhor qualidade humorística de todos os tempos. Neste filme, o grupo atinge seu ápice, fazendo uma crítica à ânsia humana por um Messias. Destaque para a cena antológica da reunião para votar se devem fazer uma reunião para salvar o Messias da crucificação. Imperdível.
26) “MUITO ALÉM DO JARDIM”: Provando sua capacidade multifacetada, Peter Sellers aqui faz um “psicótico fora de crise” (ler mais sobre o tema em textos de Contardo Calligaris ou Jacques-Alain Miller). Criado desde muito pequeno numa mansão, tendo sua vida resumida a cuidar do jardim e ver televisão, o “Videota” (livro original de Jerzy Kosinski, aqui adaptado para o cinema por Hal Ashby) entende o mundo a partir deste microcosmo, sem sequer cogitar outras possibilidades de existência (assim como na “Caverna” de Platão). O diretor ainda faz dura crítica ao mundo regido pelos equívocos imaginários dos neuróticos, quando o protagonista é cotado para a presidência dos EUA.
27) “BUDRUS”: Documentado pela melhor diretora brasileira da atualidade (Julia Bacha), esta obra-prima retrata um vilarejo entre a Cisjordânia e Israel, onde ocorreu a primeira resistência não-armada contra o polêmico muro. Este destruiria os campos de oliveiras q secularmente sustentavam inúmeras famílias proprietárias de terras, já invadidas pelas máquinas q redefiniam violentamente as novas fronteiras. Progressistas de ambos os lados, além de organizações pacifistas iinternacionais e uniram-se num protesto emocionante e efetivo, dando início a inúmeras outras defesas similares em outras localidades.
28) “MARY & MAX – Uma amizade diferente”: A melhor animação de todos os tempos. 100% para adultos, a história expõe solidões pungentes, tentando construir uma alternativa inusitada: uma menina de 8 anos (com pais indescritivelmente alienados) escolhe um nome aleatório na lista telefônica e envia uma carta, q chega a um senhor de 44, ainda mais solitário e ultra fóbico (frequentador dos Neuróticos Anônimos). A direção tem uma sensibilidade para além do q caberia em palavras, sem recorrer a nenhuma pieguice. Impressionante, arrebatador.
29) “JASMINE”: Outra animação para adultos, artística, realista e tocante. Baseados em relatos pessoais, o filme narra uma complexa história de amor durante grave situação política no Irã. O animador e documentarista Alain Ughetto reconta sua história com a iraniana Jasmine, seus encontros e desencontros, a tentativa de sustentar a paixão por um homem e a por seu país. O conteúdo é tão belo e intenso, q os recursos de animação podem ser deliberadamente simples.
30) “ANATOMIA DO INFERNO”: Uma pérola de filme, super independente, um achado do Festival do Rio, daqueles q nunca chegam ao circuito. Produção fraca, um ator pornô como protagonista, algumas cenas escatológicas desnecessárias, mas, ainda assim, um filme impressionante. A discussão sobre feminilidade e masculinidade atinge um nível altíssimo, de fato nada superficial (como as postagens atuais). O protagonista, homossexual, é beijado por uma mulher numa boate gay masculina; segue-a até o banheiro feminino, onde ela está cortando os pulsos. Daí em diante, o “casal” entra numa jornada 4 noites adentro, acessando iniciações pré-sexuais de vida infantil, até mergulhar num clima onírico de encontro com o próprio corpo, a partir do instante com o sexo oposto. Enfim, atípico e imperdível.
31) “ESSES AMORES”: Até quase 70% do filme, não fica claro o tema central. Claude Lelouch, então com 73 anos, atinge o máximo de sua carreira de diretor: REALMENTE se coloca como maestro do filme. Escolhe um não-ator como protagonista – MAESTRO na “vida real” -, e constrói a saga de uma mulher através de seus tempos e amores. IMPRESSIONANTE. Um olhar masculino acessando profundamente a feminilidade em seu extremo. Paixões intensas, transcendendo vários limites. Trilha sonora inacreditável.
32) “JANELA DA ALMA”: Maravilhoso, poético, irretocável. João Jardim e Walter Carvalho dirigem Wim Wenders, Saramago, Manoel de Barros, Oliver Sacks, Hermeto Pascoal, João Ubaldo, etc. Emocionante, depoimentos extremamente inteligentes e sensíveis. Considero o melhor filme brasileiro de todos os tempos.
33) “VINÍCIUS”: Além de Vinícius de Moraes ser um poeta dos maiores, o diretor Miguel Faria Jr. apresenta de forma preciosa sua história, parceiros, idiossincrasias, polêmicas, intensidades. Inúmeras falas inesquecíveis, como as de Ferreira Gullar, Maria Bethânia, Chico Buarque e Tonia Carrero. Além de interpretações tocantes de suas músicas, como a de Mônica Salmaso. O único senão é a presença tosca da fraquíssima Camila Morgado.
34) “ELENA”: Obra-prima de máxima sensibilidade de Petra Costa, a melhor diretora brasileira da atualidade. Filme radicalmente autoral, para além de ser um doc autobiográfico. O atravessamento de sua dor pela perda da irmã Elena é vivido visceralmente, sem concessões, até q possa, enfim, voltar a respirar. Petra filma à perfeição, tanto dor, quanto amor, melancolia (da mãe) e a própria sublimação de seu fantasma.
35) “MOSCOU”: A obra-prima máxima do melhor documentarista do Brasil, e um dos mais importantes do mundo: Eduardo Coutinho. Seguindo a potência de seu filme anterior (“Jogo de Cena”, outra obra-prima), o diretor aprofunda sua criatividade e sensibilidade artística, filmando o Grupo Galpão de teatro ensaiar uma peça de Tchekhov, q nunca seria exibida ao público. Os atores se revezam ensaiando papéis diferentes, o q provoca um jorro de afetação no espectador, pois este recurso lança cada personagem com muito mais força, transmitido por mais de um ator. Incrível.
36) “ALÉM DO DESEJO”: Um belíssimo tratado sobre pré-sexualidade. Uma mulher recém-separada muda-se para um apartamento no andar acima de um transexual à beira de uma cirurgia de mudança de sexo. O antagonismo de uma mulher com estilo “dito masculino” e um homem com todos os trejeitos de uma mulher é posto frente a frente de forma sutil. Atipicamente, a relação é construída de forma primorosa, para surpresa dos próprios protagonistas. As sutilezas da constituição subjetiva dos dois personagens são reveladas “no tempo da delicadeza”, como lindamente diria Chico Buarque. Um raríssimo caso onde o título do filme em português é mais preciso do q o original (“Uma Novela”).
37) “O APARTAMENTO”: Para além do casal Monica Bellucci & Vincent Cassel ter-se formado na vida real a partir deste filme, aqui se vê um tratado sobre a “estrutura histérica” (no sentido psicanalítico), através de um caso bastante atípico de “triângulo” amoroso. Uma mulher – supostamente não protagonista – enxerga numa outra, idealizada, o caminho para se tornar mulher. A partir daí, toda a complexa trama é tecida, assim como as tensões de possíveis separações. Os “quase encontros” são construídos de forma extremamente crível, em consonância com as idiossincrasias de cada personagem (infelizmente, algo raro no Cinema).
38) “HEDWIG – Rock, amor e traição”: Obra-prima. A história da constituição da homossexualidade num homem, e a melancólica trajetória dum amor praticamente unilateral com um sujeito perverso (brilhantemente interpretado pelo subdimensionado Michael Pitt). Trilha sonora impecável, num rock movie eternizado. Destaque para a cena de sexo metaforizada em computação gráfica (lembrando sutilmente a de “Fale com Ela”, de Almodóvar).
39) “A BRUXA DE BLAIR I”: Provavelmente a obra-prima mais subdimensionada da história do Cinema. Muito para além de uma história de horror, este filme brilhantemente expõe a “anatomia do medo” (o título mais preciso para esta grande história). Passo a passo, os diretores vão destronando nossos principais alicerces – a líder do grupo, o mapa, e, finalmente, a bússola. À precisão de um diapasão, transmitem a desorganização psíquica de cada personagem. Pouco a pouco, o espectador esquece os vícios de escolher qual mocinho ou qual vilão será seu foco de atenção, vidrando-se no puro horror do básico: escuro, falta de esperança, barulho. O “Real” lacaniano e o “Estranho” freudiano aqui se encontram, bela e precisamente.
40) “FILHOS DO PARAÍSO”: A fama do cinema iraniano atinge aqui seu ápice merecido. A história gira em torno da miséria de uma pequena família – pai, mãe, filho e filha -, sublinhada pelo instante em q o menino perde o único sapato da irmã. Segredo mor, ambos atravessam este verdadeiro calvário em tensa comunhão, transmitida pelo diretor Majid Majidi a cada minúcia. As intensidades da infância são aqui retratadas como nunca na história do Cinema. Sensibilidade ímpar, imperdível.
41) “PALERMO SHOOTING”: Outra obra-prima do mestre Wim Wenders. Assisti a este filme numa rara Mostra, num domingo na Cinelândia, centro do Rio. Apaixonado pelo diretor, empolgado e sem sono algum, passo os primeiros 20min lutando para não dormir. Inconformado e estupefato comigo, de relance olho para o restante do público, na pequena sala da Caixa Cultural: todos sonolentos. Penso então q nada faz sentido, pois uma mostra de Wenders num domingo à noite só pode receber cinéfilos da maior gravidade sintomática. Noutro dado momento do filme, sem nenhuma cena de maior “barulho”, perco enfim o sono, completamente. Olho, então, novamente, para meus estranhos companheiros dominicais: todos extasiadamente acordados. Renascido enfim de minhas desconfianças, reencontro meu diretor preferido numa “engenhoca” onde o protagonista do filme adormece até acordar flechado pela “morte”. Impressionante, Wenders transmite seu “shoot” à perfeição. A negociação com a Morte – como em “O Sétimo Selo”, só q de outra maneira -, norteia a desconstrução subjetiva de um fotógrafo de sucesso (seus maiores medos, sua arrogância).
42) “ERVAS DANINHAS”: Obra maior de um dos maiores diretores de todos os tempos, o subdimensionado Alain Resnais. Iniciou impecavelmente sua carreira com as quase unanimidades “Hiroshima, Mon Amour” e “O Ano passado em Marienbad”, porém depois se tornou uma figura talvez vista como exótica, num sentido depreciativo. Neste filme, conta uma história surrealista de um possível casal, nascido de forma extremamente insólita, e as sutilezas dos estranhamentos atraentes entre eles. Freud, em um de seus textos mais brilhantes – “O Estranho” -, aplaudiria. Prêmio Especial do Júri em Cannes.
43) “BRILHO ETERNO DE UMA MENTE SEM LEMBRANÇAS”: Obra-prima em metalinguagem sobre a dor da desilusão amorosa. Os “significantes” ressaltados pelo amor vão, pouco a pouco, sendo dissecados e dilacerados, num réquiem do esvaziamento de uma paixão. A metáfora de uma “máquina de apagamento de lembranças específicas” atende à perfeição aos anseios desesperados de corações em chamas pelo desterro da mansão de um relacionamento. O inacreditável roteiro (de Charlie Kaufman, Michel Gondry e Pierre Bismuth) transmite cada instante da relação – aproximação, empolgação, tédio, ódio e indiferença – em idas e vindas no tempo (impecavelmente conduzidas pelo diretor Michel Gondry), sem perder a consistência e o fio narrativo. Destaque para a cena de incrível precisão metapsicológica em q a personagem de Kate Winslet diz ao de Jim Carrey: “Esconda-se atrás de sua maior vergonha. É o lugar mais difícil de vc ser encontrado.” Oscar de Roteiro Original.
44) “MEIA-NOITE EM PARIS”: Após o surpreendente contrato de Woody Allen com a Miramax, seus filmes passaram a incluir notoriamente concessões comerciais. Os superestimados “Match Point” e “Vicky Cristina Barcelona” têm o seu valor, porém entregam muito “ouro ao bandido”, algo q outrora não veríamos em suas obras. A partir de “Tudo Pode Dar Certo”, o diretor retoma sua melhor pegada, até reassumir seu maior vigor com “Meia-Noite em Paris”. Extremamente poético, Allen discute as “eras de ouro” de cada um de nós (nossos ídolos mais admirados, os costumes mais sonhados, os cenários mais charmosos, as conversas mais deliciosas). A metáfora onírica serve com precisão a este fim. Um dos melhores de toda a vasta carreira do eterno diretor. Oscar de Roteiro Original.
45) “OS SONHADORES”: Obra máxima do grande Bernardo Bertolucci. Um casal semi-incestuoso (tema clássico deste diretor) de irmãos franceses “seduz” um jovem americano (o excelente Michael Pitt) durante um protesto de amantes de Cinema, à época de Maio de 68. Os três vivem uma espécie de “triângulo”, sempre mediado pela História do Cinema (homenagem claríssima e central nesta obra-prima). A passagem dos personagens à vida adulta é questão primordial nos jogos eróticos e alegres do trio.
46) “ÔNIBUS 174”: Excelente doc de José Padilha, um de nossos melhores diretores. Contundente, sério e minucioso. A tragédia do sequestro de um ônibus na Zona Sul do Rio de Janeiro, sendo contada de forma a retratar a “invisibilidade” dos meninos de rua, e os horrores de suas história de vida. O sequestrador, na infância, assistiu à sua mãe ser degolada na porta de sua casa, e anos depois esteve entre os meninos da chamada “chacina da Candelária”, onde 8 adolescentes foram gratuitamente assassinados por policiais militares. No filme, destaque para a cena em q o sequestrador, mesmo drogado, liberta um jovem universitário, para q este possa estudar.
47) “MOACIR – Arte bruta”: Extremamente sensível. O diretor Walter Carvalho atinge a perfeição ao trazer um retrato tocante de um artista q contrariou o “pensamento” preconceituoso de sua vila (São Jorge), para inscrever suas pinturas no cenário mundial (foi descoberto por turistas alemães). Seus temas – sexualidade e diabos – causam horror na hipocrisia daquela sociedade, q quase consegue encarcerá-lo, literalmente. A sensibilidade de seu pai e de um ou outro na vila acaba por sustentar seus direitos humanos. Sua mãe, psicotizante, enfiava concretamente seu peito no garoto (Moacir tinha então 2 anos), quando este já não aceitava mais. É um homem da resistência, surdo de um ouvido, analfabeto e fanho, mas mais belo e forte do q a maioria das pessoas q já conheci. Já utilizei este filme várias vezes em aulas sobre a potência da psicose. Cheguei a visitar o próprio Moacir em São Jorge (Goiás), e encontrei um cenário triste: uma doença degenerativa o impede de continuar pintando. Terrível… Ainda assim, ele foi super gentil. Eternamente um resistente.
48) “SEPARAÇÕES”: O melhor de todos os filmes de Domingos Oliveira, um dos melhores diretores brasileiros. Com um escracho generalizado um tanto à la Woody Allen, o humor deste filme é ímpar. Reviravoltas com simplicidade e inteligência nos diálogos, Domingos arrasa todo e qualquer maniqueísmo, trazendo o desamparo e as tentações com igual intensidade entre homem e mulher. O respeito não panfletário à igualdade grita nos conflitos e agonias poéticas e histriônicas dos personagens, flertando com o patético mas encerrando na beleza demasiadamente humana dos casais.
49) “O INVASOR”: Belíssimo e extremamente preciso trabalho do diretor Beto Brant. Um tratado de Psicanálise sobre a relação da Neurose com a Perversão. Paulo Miklos (músico da banda “Titãs”) atua à perfeição como um matador q resolve “frequentar” a firma de 2 sócios q o contrataram para matar o terceiro. Falas inesquecíveis deste assassino (“Vou acabar com essa Bozolândia!”), olhares e tensões de poder minuciosamente colocados. Obra-prima irretocável.
50) “NOME PRÓPRIO”: O diretor Murilo Salles atinge o brilhantismo nesta obra impressionante, com um título perfeito. O nomadismo da protagonista incomoda o público, causando em muitos a sensação de q as escolhas da personagem seriam bizarras. Sua liberdade – não glamourizada – evidencia os aprisionamentos até dos espectadores menos preconceituosos. Virtuosismo notável da direção. Ler mais no post “Estilo X Pejorativismo (sobre ‘Nome Próprio’)”, aqui neste blog.
51) “A CULPA É DO FIDEL!”: Extremamente sensível retrato da infância de um casal de irmãos, durante o processo de inversão da visão política de seus pais. A diretora Julie Gavras (filha do grande Costa-Gavras, possivelmente o maior diretor de filmes políticos realizados até hoje) provavelmente vivenciou algo dos dramas da menina protagonista, perdida entre as perspectivas antigas e atuais de seus pais, além das de sua avó e da empregada da casa. Destaque para a cena em q os “barbas” (apelido dos amigos comunistas de seus pais) transmitem um ideal não capitalista à menina, através de uma proposta de escambo.
52) “EU MATEI A MINHA MÃE”: Obra-prima de um dos melhores diretores da atualidade, a então revelação Xavier Dolan. Impressionante imaginar um diretor iniciar sua carreira antes dos 20 anos, já com tanta consistência (além de assinar o roteiro e atuar como protagonista). A intensidade das discussões entre ele e sua mãe lembra algo de Ingmar Bergman (“Sonata de Outono”), porém com matizes latinas de um Almodóvar. Forte, retumbante e definitivo. Prêmio Regards Jeune em Cannes.
53) “O CHEIRO DO RALO”: O maior trabalho da vida de Selton Mello, um dos melhores atores brasileiros (chego a considerar q este filme, especificamente, não seria possível com outro ator). Articular traços psicóticos e perversos num único personagem – tarefa praticamente impossível – foi o q o diretor Heitor Dhalia conseguiu realizar, com precisão impressionante, na parceria com Selton.
54) “JOGO DE CENA”: Mais uma obra-prima do diretor Eduardo Coutinho. “Documentário” sobre as histórias de vida de algumas mulheres, apresentadas por elas próprias, depois por algumas atrizes conhecidas – as brilhantes Marília Pêra, Fernanda Torres e Andréa Beltrão – e subsequentemente por outras desconhecidas. Essa “bagunça” desconstrutiva provoca com bastante intensidade a desorganização do espectador. Ficam, entre outras, as questões: o q é o autêntico? O q é ficção? Estes são pontos bastante centrais na filmografia do mestre Eduardo Coutinho.
55) “MEDIANERAS”: Raríssimas vezes conseguimos ver no cinema uma comédia romântica inteligente. Articulando um excelente roteiro, personagens em perfeita sintonia, ótimas atuações, e ainda uma deliciosa e precisa trilha sonora, este filme argentino emociona, além, é claro, de inserir ao fundo a crônica crise financeira do país – retratada pelas próprias medianeras (paredes sem janela, onde no filme são abertas algumas proibidas, como um grito de fôlego), ou pelas raias entupidas de nadadores se esbarrando numa piscina, ou pelos objetos jogados no lixo por uns e recolhidos por outros. Destaque para a metáfora sutil e nada piegas da protagonista nunca conseguindo “achar Wally”, numa específica página de seu livro “Onde está Wally?” – exatamente como tudo na vida de cada um de nós, cronicamente nunca enxergamos os mesmos pontos cegos. Prêmio do Público da Mostra Panorama do Festival de Berlim.
56) “UM BEIJO ROUBADO”: Obra-prima do grande Wong Kar-Wai, subvalorizada pela crítica por soar piegas, supostamente menos vigorosa q seus filmes anteriores. Pois penso o exato contrário: suas ótimas obras anteriores incorriam no vício da melancolia sem saída, portanto até previsível. Em “Um Beijo Roubado”, o diretor coloca “luto” e “melancolia” num mesmo plano, como tramitações psíquicas não excludentes (assim como o melhor trecho do clássico texto freudiano “Luto e Melancolia”, mal interpretado por muitos, como se fosse “Luto ou Melancolia”). Além do brilhante roteiro, a cantora e protagonista Norah Jones empresta belíssimas músicas à trilha sonora. Como sublinha o cineasta, às vezes o “caminho mais longo” é o melhor e o único verdadeiro, assim como a transformação de um sujeito em análise.
57) “ASSASSINOS POR NATUREZA”: Complexo e contundente road movie sobre um casal de assassinos em série, vividos pelo excelente Woody Harrelson e por Juliette Lewis, ótima no papel. Além deles, Tommy Lee Jones e Robert Downey Jr. também dão um show. O roteiro e o ritmo intenso são sustentados brilhantemente ao longo de 2 horas de projeção. Obra-prima do grande Oliver Stone.
58) “NA VENTANIA”: Absurdante e impressionante filme praticamente mudo sobre os horrores do holocausto soviético na Estônia durante a 2a Guerra. De forma inédita e poética, o diretor Martti Helde transmite as micro sensações durante as perdas dos personagens, vividos por atores em “ação suspensa”, como se fosse um filme de fotografias. Com esta técnica, o espectador é instado a sentir a guerra por milímetro, sem direito a misturar os sons e pequenas tragédias num grande barulho indiferenciado. Como bônus, uma tese metapsicológica sobre a memória do traumático. Emocionante, sem tréguas ou atenuantes.
59) “ELLING”: Mais uma obra-prima nórdica praticamente desconhecida, garimpada num Festival do Rio. Um olhar singelo e cirúrgico sobre a psicose, surto e tratamento de inserção psicossocial. O protagonista, em brilhante atuação, transmite cada momento de ameaça persecutória, angústia delirante. O tratamento recebido pelo paciente (em Oslo, Noruega) é exemplar, raríssimo na realidade psiquiátrica mundial. Além de tudo, a estética e as emoções do filme são em “tons de bege” (ler mais no post “Cinema Bege, A Última Revolução no Cinema”, aqui neste blog), o q enobrece ainda mais a película como um todo.
60) “O BAILE”: Obra-prima máxima de Ettore Scola, uma pintura de filme. Cada baile num mesmo salão retratando a história da Europa a cada década – costumes, guerras, jogos de aproximação homem-mulher. A ênfase silenciosa em cada sutil movimento dos personagens emociona de forma sublime. Os mesmos atores fazem papeis diferentes a cada baile. Anos depois de ter visto o filme, ainda tenho vários personagens marcados em minha memória. Urso de Prata de Melhor Direção em Berlim.
Psicanálise no Cinema 